这一年，戏剧市场的新剧如雨后春笋般涌现，然而很多被定义为有爆款潜质的作品，但实际表现并未达到预期，真正能够脱颖而出的作品却屈指可数。

戏剧创作呈现出浮躁的现象，为了追求短期利润，部分制作方过于依赖IP改编和明星效应，忽视了剧本打磨和角色塑造等核心环节，导致作品流于表面，缺乏深度与内涵。观众看新剧就像开盲盒，大幕拉开时，不知道迎接的是惊喜还是惊吓。这种急功近利的心态不仅影响了作品的质量，还损害了行业的健康发展。 

我们发现，戏剧市场观众观演日趋理性，随着观众审美的变化和市场环境的成熟，流量演员的作用已经不再像以前那样显著。现代观众的审美水平已经走在了创作者和平台的前面，因此，演出市场需要不断创新，提供高质量、有深度的演出内容，才能在竞争激烈的市场中站稳脚跟，吸引更多观众走进剧场。

在这股浮躁的潮流中，坚持好内容的戏剧人显得尤为珍贵。在这一年上演的众多新剧中，南都娱乐综合戏剧质量、社会反响等因素综合考虑，选出2024年度戏剧TOP5。

期待更多的好作品能够在这个喧嚣的世界中绽放光彩。

《魔幻时刻》是市场上难得一见的喜剧佳作。

“魔幻时刻”本是电影的专业术语，指的是从太阳落到地平线后到光线完全消失的短暂时间里拍摄，据说可以拍出梦幻般的画面。

舞台剧《魔幻时刻》改编自日本喜剧大师三谷幸喜的经典电影作品，他在剧本中写下他对于电影行业的情书，2024年夏天，这份对于台前幕后“造梦者”的致敬，又从银幕流转到了舞台中心。一经上演便取得了极佳的观众口碑和市场效应，观众直呼“笑到发疯根本停不下来”，豆瓣评分保持在9.1高分，在第八届华语戏剧盛典获得“最佳投资人”盛誉，还斩获2024微博音乐盛典年度推荐演出IP和年度口碑演出IP。

在制作风格上，舞台剧《魔幻时刻》追求电影镜头一般的流畅质感，尤其是转场方面，可堪“无缝衔接”。采用了“戏中戏”的叙事手法，观众可以随着不同剧中人的视角快速跳进跳出，时而是现实，时而是戏剧情节。这种结构不仅带来了喜剧效果，还引发了观众对戏剧真实性和舞台假定性的思考。

该剧的舞美布景和灯光设计被广泛赞誉。舞美设计具有电影质感，场景转换流畅，从繁华的城市到宁静的小镇，每个场景都充满细节和特色，为剧情发展提供了有力的支持。灯光设计方面，复刻了电影片场级别的光影效果，尤其是在一些关键场景如老大办公室、枪战、歌舞和片场对峙等，让观众仿佛置身于真实的电影拍摄现场。

它不仅仅是一部喜剧，还探讨了梦想、错位与救赎等深刻主题。角色村田大树的塑造尤其引人注目，他像一面镜子，让人看到幽默的同时也看到自己的渺小。有着“音乐剧王子”之称的郑云龙在话剧中首次挑战喜剧角色，展现了他作为喜剧演员的才华。 相比之前剧目中呈现的帅气形象，此次在《魔幻时刻》中的表演可谓颠覆，导演李任用“癫狂的堂吉诃德”来形容郑云龙的表演。

《魔幻时刻》成功将电影的视觉效果转化为舞台剧的表现形式，为观众带来了一种既真实又魔幻的观剧体验。

“超好看，本年度第一预定！”“帅爆了！这才是舞台剧该有的样子！”

国风悬疑舞台剧《清明上河图密码》刚上演便成为话剧市场一匹“黑马”，没有流量明星没有铺天盖地的宣发，凭借观众自来水的推荐，从无人知晓到一票难求，只用了短短几天时间，获得了豆瓣评分高达8.9的好成绩。

该剧由上海话剧艺术中心制作，改编冶文彪的同名长篇巨著，以北宋为背景，通过“梅船案”与“八子案”等情节，揭示了北宋士子间的复杂关系和隐藏在名画背后的阴谋与杀局。

宋制服饰、文人雅集、诗文相合，琴、棋、书、画、茶、酒、香汇聚一堂，一派古风古韵跃然舞台之上。为了更好地为观众呈现这个简而不失其华的朝代，剧组在音乐、服装、礼仪、生活方式等各方面都下足了功夫。

该剧通过光影交织与色彩流转，营造出宋代社会的繁华与隐秘感，让观众仿佛置身于画中。舞美设计沈力精心打造了宋代建筑外景，并结合数字影棚和虚拟拍摄技术，提升了场景的真实感和沉浸感。此外，舞台布景像一本书一样自由开合，整场演出就像展开的序幕，卷起的尾声，给观众留下回味无穷的余韵。

案件中大船凭空消失的障眼法在舞台上完整还原，成为该剧另一大亮点。舞台整体的基本构造来源于中国建筑木作的梁柱结构，所有舞台物件都由木质材料通过不断重组来产生，不同的形制、不同的体量的木料纵横相交、层层叠叠，构成一张巨大的迷网。

在艺术表现方面，该剧融合了多种传统艺术元素，如鲤鱼灯、傀儡戏、二鬼摔跤等，音乐方面，使用了传统乐器如箫、古筝、琵琶等，营造出古老而现代的音乐氛围。

此外，剧组邀请了不同领域的老师，教授演员宋朝礼仪、练习当时的仪态，并精进书法和琴技，学习点茶、打香印等传统技艺。

《清明上河图密码》成功展示了上海话剧艺术中心在国风舞台剧领域的探索与创新，这种对传统文化的深度挖掘和创新表达，使其在古装悬疑领域独树一帜。

《父亲》是少见的聚焦阿尔茨海默症题材的话剧，泽勒用其标志性的细腻笔触，精心构建了一个关于记忆与迷失的迷宫。

《父亲》通过一位患有阿尔茨海默症的老人的主观视角，描绘了阿尔茨海默症对记忆的影响与照顾病人所带来的沉重压力。年迈的安德烈发现自己开始无法辨认身处的现实：熟悉的事物在不断消失，熟悉的人正变得陌生。记忆与时间愈发混乱。他不知道自己身在何处，也不理解女儿为什么要坚持给他找护工，更不明白为什么最近一直有陌生人闯入自己的生活。

此次话剧《父亲》中文版由金士杰出演父亲一角，金士杰以其深厚的表演功底和独特的艺术风格，在戏剧界享有极高的声誉，他被业内人士亲切地称为“金宝”，被好友赖声川评价为“台湾现代剧场的开拓者及代表人物”的戏剧大师。读剧本阶段，金士杰就深深被吸引，“剧作家很厉害，他引导我们走进一个摸不到方向的巷子里，那种害怕、那种迷茫、那种失落，就是剧中的父亲他所面对的世界。他要让我们置身于那个世界，让我们感受那个痛苦，那个事情变得非常真实，我被那样的真实感动。”

凭借该剧中精彩表现，金士杰获得第八届华语戏剧盛典“最佳男主角”，评委会颁奖词写道：金士杰通过真实细腻的表演，展现了患有阿尔茨海默症的老人现实与梦魇，清醒与混沌中的无奈与挣扎，将人物的内心世界展现丰富而有层次，具有强烈的艺术感染力。

剧中女儿的饰演者田水则是“中国戏剧梅花奖”得主和“中国话剧金狮奖”得主，本身是阿尔茨海默症患者家属的她将自身的感同身受融入作品、融入人物，使得《父亲》中的女儿角色形象饱满，感人至深。

要问今年粤港澳大湾区最火的音乐剧是哪部，那绝对是音乐剧《雄狮少年》粤语版，这是一部听不懂粤语的观众也会疯狂上头的音乐剧。

该剧首演后口碑爆棚，热血、温情，粤式幽默的台词、满满的岭南风情，让观众盛赞是中国原创音乐剧难得一见的诚意之作，目前在豆瓣8.4分，不少观众看完激情加场，一刷再刷。

音乐剧《雄狮少年》改编自现象级同名国漫电影IP，由大湾区知名班底制作，音乐剧界的铁三角作曲高世章、作词岑伟宗、编剧张飞帆合力制作，郑君炽、陈科铭、朱栢谦、陈洁仪、覃一凡、唐晓枫、刘兆康等一众实力派演员携手出演，为观众呈现平凡少年不懈追梦的动人故事。

以粤语为线，醒狮为题，大湾区主创团队在保留原故事精髓的基础上，为音乐剧《雄狮少年》粤语版注入了更多本土元素和文化内涵，使得整个作品更具地域特色和时代感。作曲高世章将鼓乐贯穿全剧，融汇多元音乐风格，融合流行曲、摇滚、抒情调、地方戏曲、山歌、弗朗明戈舞曲等音乐元素，用音乐谱写少年追梦的心声，点燃少年梦想烈焰。

作词岑伟宗和编剧张飞帆在音乐剧《雄狮少年》粤语版的歌词和台词中运用大量粤语俗语，不仅使得角色之间的对话更加生动、有趣，也增添了浓厚生活气息。

在音乐剧《雄狮少年》粤语版的舞台设计中，一个独特的创意元素——狮眼眼眶，被巧妙地融入其中。当剧情推进到少年阿娟直面梦想、重拾初心的关键时刻，舞台背后精心设计的狮眼眼眶便发挥出其独特的作用，在《雄狮少年》一曲中随着音乐的节奏逐渐加快推进至高潮，舞台上方缓缓掉下一个圆框，精准地落在狮眼眼眶的中间，意味着狮眼完成点睛，同时也唤醒了少年无限壮志。

在本次的演出中，演员们需要同时兼顾歌唱、舞蹈、表演和舞狮，这对他们的体力和技能都是极大的考验，他们用自身的行动诠释“放弃纵有万般理由，坚持只需一个就够！”的雄狮精神。

2024年底，舞剧《英歌》可谓未演先火，开票后火速售罄，一票难求，在舞蹈界及广大观众中掀起了一阵强烈的期待风暴，被观众誉为新款“烫”剧。

舞剧《英歌》是广州歌舞剧院继《醒·狮》《龙·舟》后倾力打造又一力作，该剧运用了以英歌为代表的众多潮汕文化元素，以“中华战舞”——英歌贯穿本剧始终，承载着潮汕人为国家一往无前的志节，寄托着传承千年的民族精神。除英歌外，少男少女的成年礼“出花园”、闻名遐迩的木雕、潮绣、铁枝木偶、牛肉丸、潮州油纸灯笼等，都有机融入剧情，展现了丰富、多面的潮汕文化。

该剧以“中华战舞”英歌为核心，巧妙地将传统英歌舞、非遗元素与现代舞台艺术手法相结合，不仅保留了英歌舞的原始韵味，更赋予其新的时代感和审美价值，让观众在欣赏中感受到东方艺术的独特魅力。

剧中既有热血沸腾的群英会战、英歌群舞等场面，展现出英歌舞的豪迈飒气；也有细腻动人的双人舞、独舞段落，刻画人物内心的情感世界，刚柔并济，引人入胜。

主创团队不仅将“中华战舞”转变为舞台艺术，结合匠心独运的舞美灯光、色彩鲜明华丽的服饰、独特的脸谱妆容以及极具辨识度的音乐，共同构成了独树一帜的舞台风格，让观众仿佛置身在充满神秘色彩的艺术幻境中，既燃又飒。

艺术总监史前进称，《英歌》爆火背后，既是年轻一代对中华优秀传统文化的认同感和自豪感，也是年轻人对传统文化热爱与传承的一种方式，在欣赏艺术作品的同时能够唤起血液里的灵魂共鸣。

撰文：南都记者 李春花

摄影：南都记者 钟锐钧

图片：大麦“当然有戏”上海话剧艺术中心 广州大剧院 广州歌舞剧院

剧照摄影：秦智芝 侯扬 夏冬

编辑：刘芳

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李春花

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