跟随朱珠，在奥森的林间绿地“发现意外之喜”

2026年5月23日，由北京市文化和旅游局、朝阳区人民政府、北京电子控股有限责任公司指导，北京七九八文化科技有限公司主办的国际化城市级艺术盛事“2026北京艺术季”迎来全新板块的正式亮相。作为本届艺术季最瞩目的公共艺术地标项目，“漫游·雕塑公园”公共艺术展于北京奥林匹克森林公园（奥森公园）及亮马河沿岸路段隆重开幕。本次展览打破传统美术馆的物理围墙，将来自15位艺术家——高伟刚、韩冬、何岸、UNMASK/刘展、佘海晴、亚当·帕克·史密斯（Adam Parker Smith）、苏新平、王礼军、吴牧寒、向惠迪、向京、杨光南、杨健、杨牧石、展望——的跨媒介、跨材质的雕塑与装置置入城市核心的自然物候与公众日常生活中，将整座城市转化为一座可漫步、可阅读、无边界的“总体艺术”开放展厅。

朱珠、孙文杰导览现场。

让雕塑真正生长于白盒子空间之外

在开幕仪式上，北京七九八文化科技有限公司副总经理刘琛表示：艺术不必沉重。当光影落在雕塑上，当孩子在作品旁嬉戏，艺术便悄然融入我们的生活。城市，原本就应该是一座无边界的美术馆，这也是我们作为艺术工作者，为这座城市所作出的承诺与贡献。演员、北京艺术季大使、雕塑公园策展人朱珠则分享道：艺术是每个人都可以拥有的体验，是人人皆可触及、欣赏、并与之产生灵魂共鸣的。它是路人在散步或通勤途中不期而遇的一抹温柔，这份不期而至的惊喜，恰恰是艺术最珍贵的意义所在。

演员、北京艺术季大使、雕塑公园策展人朱珠在“漫游·雕塑公园”现场导览。

在当代城市更新与文商旅融合的宏大叙事中，“漫游·雕塑公园”的启幕不仅是一次国际艺术语言的集中展示，更是一次关于“场所能动性”与“生态互惠性”的深刻当代学术实践。本次公共艺术项目将绿地视作艺术社区的延伸，彻底移除了白盒子美术馆框架下的“审视距离”与体验门槛。当雕塑真正生长于白盒子空间之外，它们便进入了一片与地貌、天气、季节、光线及生态共呼吸的场域。这种互动的本质，是让艺术的“象牙塔盛世”走向全民共享的“城市文化节日”。公共艺术在此处化身为阅读城市文化生活、承载市民记忆的透明文本。

策展人孙文杰（左）与演员、北京艺术季大使、雕塑公园策展人朱珠（右）。

“漫游·雕塑公园”由主办方七九八文化科技邀请，北京艺术季大使朱珠发起，朱珠与策展人孙文杰共同联袂策划，她们将公共空间中的艺术偶遇形容为“意外发现之喜”（serendipity）——公众在林间绿地、河畔步道与作品的不期而遇，如同用脚步书写的匿名日常实践。当市民在日常生活的穿梭与绕行中与这些为明亮自然光线而生的作品交汇，他们寻获的不仅是关于日常之美的丰饶叙事，更是在一种去中心化、非功利导向的生态中觉察到了自身的存在。这种公共性，正是用艺术赋能城市公共空间、重塑首都城市标杆文化名片、彰显北京在全球艺术版图中的核心价值与独特文化自信的战略性表达。

“灿烂是无哀愁的果实”：从日常隐喻到精神丰碑

两位策展人从巴西传奇作家克拉丽丝·李斯佩克朵（Clarice Lispector）的非叙事散文诗《活水》中汲取灵感，以“灿烂是无哀愁的果实”作为核心意象，在盛夏初至的岁时节律中，开启了一场对抗日常技术异化的艺术守望。

韩冬作品《献给太阳的颂歌21号（亲密关系）》。

步入这片没有围墙的开放场域，周遭变幻的光影与葱郁的绿地交织，韩冬的作品《献给太阳的颂歌21号（亲密关系）》（2022），它以一种沉静的姿态隐入自然之景。韩冬选择了抗蚀极强的硅青铜作为媒介，坚硬、冰冷的工业材质在经过艺术家的打磨后，在自然光下形成了温润、内敛、内生柔和的致密光膜。艺术家以青铜为媒、原始美学为魂、东方哲思为骨，通过独特的艺术着色技法，试图在钢筋水泥的城市空间中唤醒接近人类共同精神本源的灵性之光。

杨牧石作品《组装—柱》。

与之形成硬朗对比的是艺术家杨牧石的《组装—柱》（2024），在这件由不锈钢回收件精工焊接而成的几何结构中，碎屑化的金属构件被有序排布、熔铸成一根线条利落且富有冰冷力量感的雕塑立柱。在奥森极具呼吸感的环境秩序中，这根极简的“组装柱”在严谨架构中释放出独特的反抗张力，隐喻着个体虽受高度规则化的社会条件规训，依然能够通过自我组装，保持独立思考与坚韧自持的生存状态。

苏新平作品《三匹白马一号》。

《三匹白马一号》（2024）是一件苏新平极具代表性的大型雕塑。受草原文化的深远影响，马的身影贯穿了艺术家的职业生涯，频繁出现在其不同媒介的创作之中。三匹叠加的白马矗立于幽静的林中岔路，那仿佛正欲远去的姿态，不仅唤起了观者对理想主义的追忆，更凝练为一种超越现实的精神性象征。

王礼军座屏《邃》和《怆》。

在王礼军的《邃》（2025）和《怆》（2025）中，双人物形象以一种抽象的姿态于空间中交错。艺术家巧妙地将海绵被撕扯的瞬间形态凝固为坚硬的铝，表面的每一道痕迹，既是材料的天然肌理，也是指尖撕拽留下的温度残迹。当这组静默的雕塑与奥森公园3公里步道上川流不息的人群相遇，一种关于个体与周遭关系的思考悄然苏醒——人与物，正是在这广阔的空间交互中，互为存证。

吴牧寒作品《一个音和七个》。

吴牧寒的作品《一个音和七个》（2026），在为观众呈现其优雅形象的同时，也邀请着人们与之互动。这件作品由多种规格的铝管、水泥底座、碳纤维及音锤构成，其形态宛如一座物质生产的当代纪念碑。然而，它打破了传统雕塑的永恒性，既不提供既定乐谱，也不设定规则。它鼓励公众在室外自由的空气与地面之上，通过身体动作（敲击、摩擦）与作品建立直接的能量交换，将每一次敲击转化为可感知的物理事实，以自然天籁消解世俗定义，完成了一次公共疗愈实验。

亚当·帕克·史密斯作品《萨宾池浮》。

亚当·帕克·史密斯（Adam Parker Smith）的大型作品《萨宾池浮》（Sabine Pool Float, 2020）以流光溢彩的身姿为公共绿地注入了超现实的活力。这件高近三米的雕塑营造出极强的视觉错觉：看似由易碎且滑稽的充气浮具堆叠而成，充满消费主义的戏谑；实则由钢材、树脂和玻璃纤维精工打造，坚固而恒久。这种“伪装的永恒”在绿地中绽放出明快灵动的生命力，以一种波普式的幽默与戏剧感，吸引着观者。

何岸《鼻子上有颗痣，胸口还有一颗》。

何岸的作品《鼻子上有颗痣，胸口还有一颗》（2020）在林中绿地上勾勒出城市风光的简影，城市的肌理、质感、材料和不断转变的适应性空间被嵌入何岸的作品当中，他的作品阅读着城市的欲望，把周遭的流动，凝固成一份透明的文本。而在作品面前驻足的你我，则是被这个快速发展的都市照见的又一张面孔。

向惠迪作品《最后，它找到了它的朋友》。

向惠迪的大型作品《最后，它找到了它的朋友》（2024）在开阔的仰山中铺陈开来，构筑起一处戏剧性的视觉焦点。作品灵感巧妙地转译自经典童话《丑小鸭》，个体在面对孤立与生存困境时不断尝试向外连接的坚韧过程，被具象化为一首献给现代孤独个体的空间童话诗；它以一种极具幽默感与思辨性的空间体量，隐喻了现代人在当代公共生活中寻找精神归属、确认自我价值以及重建社群共鸣的迫切图景。

佘海晴作品《露珠》。

佘海晴的作品《露珠》（2023）同样在仰山之上悄然绽放。艺术家以水钻比作晶莹的露珠，将其散落在塑料荷叶之上，这些闪烁着人造光芒的“植物”漂浮于真实的绿茵之中，借由观众的观感与互动共同完成了这场装置性的艺术探讨。钻石本源于自然，将其归还于自然是这组作品的初衷；让自然中的“荷叶”佩戴闪耀的“珠宝”，不仅是对大自然的歌颂，更是一次关于虚实边界的提问。

杨健作品《物联网》。

杨健的《物联网》（2018）则上演了一场极具张力的材料碰撞，作品由若干组冬瓜与Wi-Fi天线巧妙构成。取自土地的果实作为天然有机材料，与现代科技产物并置，直指人类文明生活中某种荒诞的本质。艺术家一次次用全新的视角与幽默的视觉语言，精准捕获那些难以命名的瞬间，不断刷新着大众对日常物件的定义。从这件作品中亦可管中窥豹，雕塑这门古老的艺术语言正在不断地打破自身的既定形象，在材料与观念的重组中，无数次重塑着其艺术的边界。

展望作品《想有个洞》。

坐落在银杏林中，展望的新作《想有个洞》（2025）达成了传统美学与当代工业的互文。艺术家延续了其享誉国际的“假山石”系列不锈钢雕塑语言，并在此基础上引入了激进的几何构造观念。他以天然太湖石为原型进行不锈钢拓印，并设想了一个几何学中的圆柱体或立方体穿越太湖石内部。不锈钢表面的折射光芒隐喻着中国古人对不朽与理想境界的追寻，传统园林美学在当代都市的开放语境中再次焕发出生命力。

高伟刚作品《宽容战胜恐惧》。

高伟刚的《宽容战胜恐惧》（2012-2020）由一组四件不同颜色的钢铁阶梯组成，它们蜿蜒而上，以纤细优雅的姿态通过寻常之物讲述着朴实之理。艺术家对于楼梯这一主题有着向下植根的执着，因为楼梯作为连接两端的过渡媒介，在看似开放的同时，其终点却是被规定的。高伟刚正是通过作品与观者之间微妙而平衡的距离感，以及在不同视角下脱离于经验的对比参照，不断挑战观众的视觉及思维习惯，促使观者去重新反思这个我们自以为熟知的世界。

向京作品《原创少女心》。

在林间光影的环抱下，向京的重要铸铜/玻璃钢作品《原创少女心》（2015）则将公众引向了对人性的微观凝望。向京一向擅长在其独树一帜的“具象现实主义”写实雕塑语言中，在现代性的语境下深度挖掘人性的迷雾。这件双兔首雕塑以极简又充满心理张力的造型捕捉微观情绪，在奥森的开放景观中，这种纯粹与脆弱向公众敞开，引发了每一位在林间穿行的观众对自我生存真相的不断确认与温柔观望。

杨光南作品《路202102》。

杨光南为一条小路铸造了一尊独特的雕像。在《路202102》（2021）中，路被转化为一位可亲、可感的对象，它扭转着身姿，以多边形的形态现身于一片没有路径的幽幽绿草之中。雕塑表面的大小方形凸起，直接翻模自真实的人行道路面。经艺术家之手，作为空间本身的“路”被赋予了连续且无终点的特质。作品在固定与重复的形式中，轻灵地实现了场景与意象的转换，迫切地呼唤着个体源自内心的方向与路径。

UNMASK/刘展作品《闪忆系列之六》。

与奥森公园的开阔景致形成多维互文的是，“漫游·雕塑公园”还在展现都市流变与国际化生机的亮马河畔，开辟了极具地缘特性的文本图景，由此引出UNMASK/刘展的重要作品《闪忆系列之六》（2010）。在日常物的重组中，艺术家凝视并解构宏大历史在微观个体身上留下的感官刻痕。亮马河作为古时商贾往来“晾马归市”的历史水系，其地缘线索在当代语境下被艺术家转化为一种极具速度感与生命力的图腾。在这件运用不锈钢与工业原件构筑的作品中，他以冷峻的材料秩序和极富张力的流线型走势，精巧地回应了具有时代跨度的“马”之意象——它摒弃了符号化的传统复古叙事，转而将马所蕴含的奔腾、开拓与激进的能量，重组为一种代表当代都市速度的硬核空间实体。当雕塑置身于亮马河畔这一交织着现代都市喧嚣与滨水律动的双重场域中，不锈钢材质所折射的变幻水光与两岸鳞次衬比的摩登轮廓，共同织就了一场关于历史纵深与现代性的空间对话。它不仅在波光粼动的景致中塑造出富有当代工业美学的视觉地标，更以一种充满前瞻性、超越时间的静态姿态，挑动着穿行于都市滨水空间中的每一位观者，在现代生活的巨浪中回溯并共同触碰那些在时间加速中不断闪烁的集体记忆。

据悉，本届北京艺术季“漫游·雕塑公园”的成功落地，不仅得益于北京市各级文化和旅游部门的战略指导，也是主办方北京七九八文化科技有限公司积极践行文商旅深度融合、赋能城市公共空间更新的标杆成果。更具里程碑意义的是，这场盛事凝聚了海内外顶级艺术生态的强大合力，展现了当代中国艺术界在前沿学术、公共美育与社会资本协同共建上的大国文化气象。

Q&A

朱珠：让大家在匆忙赶路时，被一件作品短暂治愈

Q: 你提到将公共空间中的艺术偶遇形容为“意外发现之喜”（serendipity）。从演员到策展人，这种身份转换如何影响你观察城市与艺术的关系？在奥森公园和亮马河畔现场漫步时，是否有哪件作品或哪个瞬间让你自己首先感受到了这种“意外之喜”？

朱珠：从演员转型参与策展，最大的改变，是看待城市的视角从被动感受，变成主动体察。做演员时，我习惯沉浸角色，体会空间带给人的情绪；做策展之后，会刻意留意城市缝隙里人的状态。公共艺术不是被特意奔赴的展品，是路人散步、通勤途中撞见的温柔，serendipity这份惊喜，恰恰是城市艺术最珍贵的意义。

在亮马河沿岸漫步踏勘时，傍晚晚风刚好，河边散步的行人、遛狗的路人、慢跑的年轻人，不经意间和雕塑作品同框。奥森开阔的自然环境里，艺术没有被玻璃罩隔绝，和草木、光影、来往人群共生，艺术就在身边，仿佛大自然中生长的果实，灿烂唾手可得。

演员、北京艺术季大使、雕塑公园策展人朱珠在“漫游·雕塑公园”现场。

Q: 本次展览以巴西作家李斯佩克朵的“灿烂是无哀愁的果实”为核心意象，强调对抗日常技术异化。你希望通过这15位艺术家（包括向京、何岸、展望等）的作品，向在城市快节奏中穿行的人们传递一种怎样的“无哀愁的灿烂”？你的视角在本次策展中发挥了怎样独特的作用？

朱珠：李斯佩克朵这句话，精准戳中当下都市人的处境。我们被碎片化信息、高频电子产品裹挟，整日被焦虑裹挟，忙碌却时常空洞。我们挑选十五位不同风格艺术家作品，就是想让奔波的城市人短暂抽离紧绷节奏。同时让艺术不局限于学术象牙塔，或只属于某一种特定人群的假象，让每一个人都能够享受到艺术带来的那一刻灵魂的慰藉。

向京、何岸、展望老师的创作，扎根现实又保有诗意。我想传递的无哀愁的灿烂，不是刻意逃避烦恼，是在琐碎日常里保留感知美好的能力。演员的经历让我更懂普通人的情绪褶皱，懂得当代人紧绷的内心。这次策展里，我更偏向以人的感受为先，让艺术贴近情绪，让大家在匆忙赶路时，被一件作品短暂治愈，看见平凡生活里自带的光亮，这也许是我区别于专业策展人一个的视角。

Q: 本次艺术季漫游雕塑公园强调打破美术馆围墙、实现“全民共享的城市文化节日”。你如何平衡作品的学术深度与亲近性？

朱珠：打破美术馆围墙，核心就是让艺术走出小众圈层。平衡学术深度和大众亲近度，我始终坚持一个原则：艺术内核保持专业严谨，呈现方式贴合城市生活。

选品上，保留艺术家完整创作表达，守住学术根基；落地场景上，贴合公园、河道的公共环境，弱化晦涩的表达。不用强迫观众读懂所有艺术概念，能驻足、心生触动，就是成功。

我长期身处大众视野，更清楚普通观众对艺术的距离感。所以在整体排布、动线规划上，更多站在普通人视角考量。让资深艺术爱好者可以读懂表达，普通市民闲逛也能收获审美愉悦，真正做成人人都能参与、享受的城市艺术节日。

采写：南都N视频记者 黄茜